Top Top 10 wunderschön fehlerhafte Alben

Ein Album wird normalerweise als ein schönes Baby eines Künstlers angesehen. Aber manchmal kann es auch ihr hässliches Stiefkind sein. Die Deformität ist schließlich ein Teil der Natur, und der Kontrast hilft nur, die Fälle von unverfrorener Schönheit zu betonen. Hier sind 10 Künstler, die um Hässlichkeit wetteiferten, um ihre Alben wirklich zum Leuchten zu bringen:

10. Siouxsie und The Banshees 'Tinderbox (1986)

Während dieses Album vielleicht Siouxsie und das eingängigste und raffinierteste Album der Banshees sein mag, enthält es auch einige der krankhaftesten experimentellen Atmosphärenarbeit im Repertoire der Band. Dies ist sehr zum Verdienst des neu rekrutierten Gitarristen John Valentine Carruthers zugeschrieben. Es ist sehr viel Gitarre, dass dieses Album, wenn man polierte Treibhaken nicht abzieht, blutet und zuckt. Der Song „A Execution“ zeigt schreiende und stöhnende Gitarrenpassungen und alle möglichen anderen unzusammenhängenden Unterbrechungen.

Siouxsie sagte in einem Interview mit NME von 1986: „Es ist sehr gut angenommen; Es ist alles genäht. Darauf haben wir uns abgestimmt.”

Und das haben sie sicherlich erreicht: ein Flickenteppich aus Blutflecken und gebleichten Baumwollquadraten.

9. Radioheads Amnesiac (2001)

Es ist leicht zu erkennen. Während sie konventionelle hyper-hübsche Melodien in der Lage sind (ich.e. Bei Regenbogen und OK -Computer können sie das tiefe Ende fallen, wenn sie die Möglichkeiten des Klangs erkunden möchten. Amnesiac ist das beste Beispiel für unbekannte Geräusche und Geräusche (weniger als das, was man als „Musik“ betrachten könnte). Das Album ist voll mit Klicks, Piepton und unzähligen Formen von weißem Rauschen. Das Album ist oft nur eine Klangcollage, die eine Vielzahl von dunklen Geräuschen in eine überirdische Atmosphäre von interessantem sammelt.

Nehmen Sie die Songs „Push/Pull Revolving Door“ und „Like Spinning Plates“: Die ehemaligen Spotter, übersprungen und beinhalten kaum hörbare Vocals, wo der Lied wie völliger Hirnschaden klingt, während der letztere gegen den Uhrzeigersinn surrende Sounds und invertierte Vocals enthält Dieser Klang, als würde das Lied tatsächlich rückwärts gespielt (was in keiner Weise Thom Yorkes leidenschaftliche Falsett hemmt).

Der Gitarrist Ed O 'Brien sagte in einem Interview mit der Chicago Tribune, dass ihr Sound auf der Platte ein Produkt eines neuen Ansatzes zur Erstellung einer Platte ist (die auch für das Album Kid A angewendet wurde, das sie gleichzeitig gleichzeitig aufgenommen haben) :

„Wir mussten uns in den Griff bekommen, um einen Song von Grund auf neu zu starten und es zu etwas zu machen, anstatt es live zu spielen, es zu proben und dann eine gute Live -Performance zu machen. Keiner von uns spielte so viel Gitarre auf diesen Platten. Plötzlich wurde uns die Gelegenheit und die Freiheit präsentiert, sich der Musik so zu nähern, wie ein massiver Angriff der. Es war ziemlich schwierig für uns, sich an die Tatsache anzupassen. Sobald Sie Ihre Unsicherheiten überwinden, ist es großartig.”

Für diejenigen, die Radiohead für ihre Geraden mögen, ist es ein wenig gewöhnungsbedürftig (und eine Wertschätzung für alles, was vom linken Feld kommt).

8. Spoon's Ga Ga Ga Ga (2007)

(Beginnt um 1:55)

Löffelalben sind in der Regel sehr lo-fi-freundlich. Ihr jüngstes Album, die Übertragung von 2010, wurde aus einer Zubereitung von 8-Spur-Aufnahmen und Demos zusammengestellt, die mehr organisch klangen als ihre Studio-Sitzungen (die sie letztendlich verschrotteten). In ganz Ga Ga Ga Ga können Sie kleine Unvollkommenheiten (Voice-Overs, Hintergrundgeräusche usw.) hören, aber der Song „Ghost of You Lingers“ klingt besonders so, als ob das Band an ausgewählten Orten saure gewaschen wurde (beginnend bei die 1:55 Marke), die den Themen eines „anhaltenden Geistes eine dritte wraithähnliche Dimension verleiht.”

In einem Interview mit einem.V. Der Club, Bandleader Britt DanielIch denke nur, dass das aufregender ist. Als die Leute Rekorde live geschnitten hatten, gab es ständig Fehler, die in der Zeit blieben. Es war Teil des Charmees. Ihnen fehlt etwas, wenn alles alles angedeutet und klinisch ist. Wenn wir also einen Fehler hören, der interessant klingt, machen wir uns darauf hin, ihn zu behalten.”

7. HA HA HA SOUND der Sendung (2003)

Die Technologie ist völlig modern, aber auf „Vintage“, a la Phil Spectors 60er Mädchengruppen. Hören Sie sich „Winter Now“ an und hören Sie Warped -Streichelemente wie einige klassische 45, die zum tausendsten Mal gespielt werden.

In einem Interview mit Gimmebadvibes.Die Com -Sängerin Trish Keenan sagte zu ihren experimentellen Tendenzen “Avantgarde ist ohne Bevölkerung nicht gut und beliebt ist Müll ohne ein bisschen Avantgarde. Zwei von ihnen sind zusammen dynamit und wir versuchen immer, eine Kombination von beidem zu erreichen. Ich weiß nicht, wie reine avantgardistische Leute es tun, es muss eine undankbare Aufgabe sein, die die Grenzen auf die wirklich seltsame und extreme Dichotomie zurückzuschieben, ist, dass sie normalerweise erstaunliche Musiker sind.”

Was die Musik von Sendung besonders unruhig macht, ist die Tatsache, dass Keenan letztes Jahr gestorben ist, was bei der Überprüfung ihres Klangs mit mehr geisterhafteren Obertönen nachgedacht ist, wo man sich fragt immaterielle Energie.

6. Death Cab für Cuties schmale Treppe (2008)

(Sehr Ende des Liedes.)

Das Lied „Pity and Fear“ veranschaulicht den Geist des Albums, das von Spontanität und „Lebendigkeit“ ist.Das Lied führt mit einem aufstrebenden Dynamik bis zum Ende weiter, ohne sorgfältig zugesagte Schlussfolgerung. Das Ergebnis klingt wie ein Band, das buchstäblich mit einer Schere zu früh geschnitten ist. Vorher verspannt das Volumen ein paar Dezibel ohne ersichtlichen Grund. Wenn Sie dieses Album herunterladen möchten (anstatt eine legale digitale oder vinylkopie zu kaufen), könnten Sie denken, es sei ein schlechter Pirating -Job.

Der Produzent und Gitarrist Christopher Walla sagte in einem Interview mit The Vine über das Album. “Der Masterplan für schmale Treppen sollte so unsichtbar und freigültig sein wie ein Produzent wie möglich. Ich war wirklich daran interessiert zu sehen, was passieren würde. Als wir mit dieser Aufzeichnung begannen, waren wir seit zwei Jahren auf Tour. Wir konnten uns nur erinnern, auf der Bühne zu stehen und zu spielen. Die ganze Idee war also: Was passiert, wenn wir nur auf der Bühne sind und wir spielen, außer dass wir im Studio sind und aufnehmen?”

Was passiert, ist ein viel organischerer Klang- etwas, das plastisches und makellos gewesen sein könnte, stattdessen wird etwas menschlicheres und anfälligeres für Fehler, etwas Reales. Und mit einem Album wie enge Treppen, das atmet und seufzt und fühlt (Schmerz), verbessert eine solche Produktionsstrategie nur die Resonanz.

5. Beach House's Teen Dream (2010)

(Vers, ab 0:40 Uhr.)

Die Mitglieder von Beach House Love Reverb. Ihr frühes Material klingt so, als hätte Vinyl in der Sonne zu lange weggelassen. Während sie versuchten, ihre Tat in ihrem neuesten Album Teen Dream aufzuräumen, ließen sie ihre Zuneigung nicht für diesen Sound für den Roh-Aund-the-Hecken ab.

In einem Interview mit Pitchfork sagte BandMember (Duo-Counterpart) Alex Scally,

“Das Gefühl, dass Reverb Sie gibt, ist überall in der Aufzeichnung. Welches ist die Erweiterung des Klangs. Sie wissen, Reverb macht das Ding, wo Sie einen Sound erstellen, und es wächst auf das 20 -fache seiner ursprünglichen Größe und füllt alles auf. Ich denke.”

Victoria Legrand, andere Hälfte des Duos, sagte: „Reverb ist diese Maske. Es ist ein Stil. Es ist wie ein Spitzenvorhang oder so. Aber es funktioniert. Es hat auf der ersten Platte funktioniert und auf Hingabe funktioniert, und es ist bis zu einem gewissen Grad immer noch bei Teen Dream da.”

Legrand gab auch ihren Eindruck davon, wie zum ersten Mal die Hörer auf ihren Sound reagierten, als einer ihrer Songs eine iTunes -Single der Woche war:

“Sie sagten: 'Ich hasse das! Mein Stereos ist gebrochen!'"

4. Die Psychokandie der Jesus and Mary Chain (1985)

Die unwissenden Käufer des ersten Albums der Jesus and Mary Chain, der Psychokandie von 1985, müssen für eine Rückerstattung direkt in den Laden zurückgekehrt sein und ihren unglaublich beeindruckenden Sound verleihen. Hören Sie einfach den Song „Never Seund“ an (wenn Sie es bestehen können) und sehen Sie, ob Sie sich nicht sicher sind, dass entweder a) Ihre Stereo-Lautsprecher irgendwie Kurzschluss haben oder b) die Aufnahme einfach 3-in-Folge-Minute ist von Nägeln, die sich an einer Tafel kratzen.

Bandmitglied Jim Reid sagte in einem Interview mit Pennyblackmusic “Viele Leute konnten nicht glauben, dass wir den Nerv hatten, auf die Bühne zu kommen und das zu tun, weil wir nicht spielen konnten.”

Er fügte hinzu, "Was für eine Art von uns gezogen hat? Ich denke, die Songs waren ziemlich stark. Vielleicht konnten die Leute sie nicht hören, weil wir sie so schlecht spielten, aber wir wussten, dass es ein grundlegendes Lied darunter gab.”

Es ist nicht schwer zu erkennen, wo ihre Vorliebe für korrupte Melodien geboren wurden. Aber mehr als nur schlampig zu spielen, schienen sie daran zu sein, dem Hörer Tinnitus zu geben.

3. Echo und The Bunnymen (selbstbetitel, 1987)

Echo und die Bunnymen haben einen deutlichen Klang, ein Gleichgewicht zwischen engen Grooves und Kriegsgitarrenatmosphären. Aber selbst mit gebrochenen „Verrückten“ auf ihrem durchgebürgerten selbstbetitelten Album (zu dem der Vinyl-Hörer bei der Erkrankung der CD selbst doppelte Takes durchführt) ist der Klang nicht das, womit sich die Band am besten identifiziert.

Frontmann Ian McCullough verließ die Band nach diesem Album. In einem Interview von 1992 erzählte er das Q -Magazin. “Wir wurden gerade in eine neue Mentalität auf diesem letzten Album, The Sound of Radio America, integriert. Es hat hier großartig gemacht, aber bis dahin dachte ich nur, wir wären nicht mehr gut genug. Es passierte hübsch, die Staaten bauten und bauten, aber es fühlte sich auf der Bühne nicht gut an. Wir haben nicht wirklich als Freunde und Sachen kommuniziert. Ich meine, ich war es gewohnt zu glauben, dass wir die beste Gruppe waren, die ging.”

Manchmal kann zu viel Reinheit für eine Band verheerend sein, die von Winkelität lebt. Trotzdem ist es nicht zu leugnen, dass der wesentliche Echo -Sound in diesem Album erscheint. Vielleicht liegt das Problem darin, zu selbstgefällig zu werden und mit so unbekanntem musikalischem Gebiet vertraut zu werden.

2. Das weiße Licht/weiße Hitze des Velvet Underground (1968)

(Beginnt um 2:00 Uhr auflösen.)

Dieses Album ist so entschlossen wie eine Dose Campbells klobiger Rindfleischtopf. Und das ist nicht zum Verdienst von Andy Warhol, bananenfanatischer Produzent ihres wunderschönen Debüts.

In der Tat feuerten sie nach ihrem mangelnden kommerziellen Erfolg mit dem Kochbananen-Vorgänger Warhol und mit ihm seine Idee der Kunst ab.

Ein Groß. Nach zwei Minuten von den wesentlichen Blaupausen von Punk Rock löst sich das Lied so auf, als ob Reed, Cale, Morrison und Tuckers Instrumente mitten im Voraus implodierten. Wenn ein anderer Song nicht sofort danach wie eine Art Defibrillator eintrat (ich.e. "Das Geschenk"), Sie haben vielleicht gedacht, dass Ihre Stereoanlage gerade gestorben ist.

Seien Sie versichert, was auf Klebeband gefangen ist, ist nicht völlig ziellos, auch wenn der Umfang leicht außerhalb des Fokus bleibt:

Die Beschreibung der 17 Minuten des reinen Chaos, aus dem „Schwester Ray“ Lou Reed besteht, sagte: “Wir versuchten nur, uns gegenseitig zu übertönen. Jemand sagte: "Wer spielt Bass?'Es gibt keinen Bass. 'Wann ist das Lied vorbei?'Es wird vorbei sein, wenn es vorbei ist.”

Beschuldigen Sie es den Medikamenten oder der verständlicherweise gedämpften Geister, wl/wh ist ein Gericht, das am besten blendend heiß serviert wird (oder mit einer Auflaufkinne voller Geschwindigkeit).

1. David Bowie's Diamond Dogs (1974)

(Um 5:00 Uhr.)

Das Album spielt wie eine riesige Klanghommage an George Orwells 1984, und als solches ist ein dystopischer Geist deutlich präsent. Nehmen Sie das Album näher, „Gesang der immer kreisenden Skelettfamilie."Das Lied verwandelt sich in eine verrückte Schleife, die wie eine gebrochene Platte klingen soll, in der der Sound wiederholt wird" Br, Br, Br, Br, Br ... "

Der Klang ist das Ergebnis einer Bandschleife, aber wie die Geschichte lautet, beabsichtigte Bowie, den Ausdruck „Big Brother“ zu schleifen (ich.e. Der Titel des vorhergehenden Liedes), aber als er versehentlich auf ein einfaches „BR“ reduziert wurde, ging er stattdessen damit ein. Der Ton klingt nach genügend Hörern schließlich wie „Run“, was so vage wie passend bedrohlich ist.

Bowie soll sowieso von William S beeinflusst worden sein. Burroughs Verwendung der „Cut-up-Technik“ des Schreibens, in der Sie ein Stück Schreiben nehmen, die Grenzen buchstäblich schneiden und in einer anderen Reihenfolge neu ordnen, wodurch eine völlig andere Bedeutung/Effekt erzeugt wird.

In einem Rolling Stone -Interview, in dem Bowie und Burroughs über Träume als Quelle kreatives Einfluss diskutieren, sagte Bowie: “Ich finde es einfacher, in diesen kleinen Vignetten zu schreiben. Wenn ich versuche, schwerer zu werden, finde ich mich aus meiner Liga aus. Ich konnte mich nicht in dem einhalten, was ich sage. Außerdem, wenn Sie wirklich schwerer sind, gibt es nicht viel Zeit, um so viel zu lesen oder so viel zu hören. Es macht nicht viel Sinn, schwerer zu werden… . Es gibt zu viele Dinge zum Lesen und Betrachten.”

Wunderschön fehlerhafte Alben Playlist